Bruna Iurko/La mirada al vuelo/ julio 2023

 







Bruna Iurko García (San Pablo, Brasil, 1993) Artista independiente e autodidacta, Bruna creció y vive en Capão Redondo, barro periférico de San Pablo. Tercera de 7 hijos, desde chica mostró con sus manos inquietas el deseo de crear. Realizó cursis de capacitación en diversas áreas, transitando entre el diseño, la moda y la ilustración construyó sua identidad de una profesional multifacética.
Su expresión proviene de su forma de ver la vida y su relación espiritual. Umbandista y médium, traza través de su narrativa una relación con la natureza como un libro sagrado.

ENG
An independent and self-taught artist, Bruna grew up and lives in Capão Redondo, a neighborhood in the outskirts of São Paulo. The third of 7 children, since childhood she showed through her restless hands the desire to create. With some free and technical courses in several areas, transiting between design, fashion, and illustration, she built the identity of a multifaceted professional. Her expression comes from the way she sees life and her spiritual relationship. Umbandist and medium, he brings through his narrative the relationship with nature as a sacred book.

PORT
Artista independente e autodidata, Bruna cresceu e mora no bairro de Capão Redondo, zona periférica de São Paulo.Com alguns cursos livres e técnicos em diversas áreas, transitando entre design, moda e ilustração, construiu a identidade de uma profissional multifacetada. Sua expressão vem da forma como enxerga a vida e sua relação espiritualista. Umbandista e médium, traz por meio da sua narrativa a relação com a natureza como livro sagrado. A fauna e flora de pinceladas expressivas e gestuais são exaltadas em todos os suportes.

Esta residencia es posible gracias al apoyo de @embrasilargentina 


Observar con cariño hacia la naturaleza y el suave devenir de los destinos nos hace reflexionar sobre el funcionamiento del instinto. ¿No hay curiosidad, inseguridad o miedo? ¿El proceso simplemente se repite exhaustivamente sin ninguna razón?

Además de estas y otras preguntas, veo aquí el atuendo de un pequeño pájaro que retrata los desafíos de dejar la comodidad de su propio nido, reconociendo el desafío de ser lo que uno es. Se necesita el valor de la autoaceptación y la lectura de la esencia que llevamos.

Si el universo te da alas, despegar es una misión, así que confía en las tuyas y buen viaje, dentro y fuera.

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Looking fondly at nature and the gentle unfolding of destinies makes us reflect on the workings of instinct. Is there no curiosity, insecurity or fear? Is the process simply repeating itself exhaustively for no reason?

In addition to these and other questions, I see here the attire of a small bird portraying the challenges of leaving the comfort of one's own nest, recognizing the challenge of being who one is. It takes the courage of self-acceptance and reading the essence we carry.

If the universe gives you wings, taking off is a mission, so trust yours and bon voyage, inside and out.

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Enxergar com carinho a natureza e o desenrolar tão suave dos destinos nos faz refletir sobre como o instinto funciona. Será que não existe curiosidade, insegurança ou medo? O processo só se repete exaustivamente sem tem porquê?
Para além desses e outros questionamentos, visto aqui a roupagem de um pequeno pássaro que retrata os desafios de abandonar o conforto do próprio ninho, reconhecendo o desafio de ser o que se é. É preciso a coragem da autoaceitação e leitura da essência que carregamos.
Se o universo te dá asas, alçar voo é missão, então confie nas suas e boa viagem. Para dentro e fora de si.

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SER COMO LOS PÁJAROS

Cierta ingravidez acontece al seguir el rumbo de los sueños. Imperceptible a la vista, pareciera sentirse suave la distancia entre los pies y la superficie del suelo. Cambia levemente la perspectiva y percibimos otra nueva realidad que, si bien no dista mucho de la que habitamos en el cotidiano, sensibiliza de otro modo la manera en que asimilamos todo aquello que nos rodea. Un registro háptico de cada movimiento y aliento, del aire y el viento; de las hojas que vemos caer de los árboles en las veredas. Algunas plumas nos acercan la memoria de los pájaros y levantamos la vista para buscarlos. Los oímos en la lejanía para abrirnos mucho más allá del cielo que nos mira la cabeza.

De un hacer espontáneo, Bruna Iurko es como un ave que recorre y construye instintivamente paisajes y escenas de naturaleza. Se expresa versátil por medio de diversas disciplinas que tienen como origen el diseño. Tatúa el cuerpo y lo dibuja para siempre. También moldea líneas de plata que reverdecen las formas de la cara, las manos, el cuello. Con la misma seguridad con la que perpetúa ecos selváticos y animalias en pieles humanas, cambia la fisonomía de paredes descoloridas donde nadie posa la mirada. Pieles de ciudad que viven en la intemperie, se borran, se tapan, se llueven y se manchan. Un paisaje transitorio. Sobre la dermis o los ladrillos apilados, siempre crecen hojas, ramas, una selva recordada, animales de ensueños y rituales del tiempo de la tierra. Bruna es como los pájaros, sueña y vuela alto. Pinta para diluir límites. Camina esos aparentes bordes divisorios entre lo interno y propio, lo íntimo y privado del espacio del cuerpo, de la casa y el silencio; a lo abierto e inasible, lo público, lo urbano y lo comunitario. Pareciera haber una insistencia en reconciliar eso que en apariencia se enfrenta y de divide.  Mediadora de lo urbano y lo natural, espejo espiritual.

El mundo es demasiado grande para quedarse en el nido. La mirada al vuelo es una invitación a ser como los pájaros, tener el valor para cambiar de paisaje, vislumbrarlo todo desde arriba, volverse cielo, nube, viento. Sobrevolar el vacío de los miedos y las incertidumbres de los caminos nuevos. Romper los propios límites y derribar esos muros internos. Escuchar el idioma de las plantas, que también se hace eco de la naturaleza de lo humano.

                                                                                                      Lucrecia Gimenez/ Curadora

                                             


Morgan Craig en Residencia Corazón/ julio 2023





 @ineveryheartarailway

www.morgancraig.org

Morgan Craig (Filadelfia, USA, 1974) es  pintor, docente y Máster de Bellas Arte en Pintura de la Universidad de Filadelfia. Su espíritu viajero lo ha llevado a exponer y participar de residencias en Europa, África y China. “Creo que las estructuras arquitectónicas, que actúan a la vez como depósitos y como vehículos de la memoria, influyen profundamente en la cultura y la identidad al proporcionar un marco tangible a través del cual pueden expresarse facetas de una sociedad. Me he inspirado para crear un corpus que trata de cómo influyen en la identidad los tipos de arquitectura presentes en un paisaje determinado. Mi trabajo no es un mero método de documentación, sino un comentario socioeconómico y sociopolítico sobre los efectos de la arrogancia, la avaricia, el comercio, la externalización, la desregulación, la desterritorialización, el neoliberalismo, la obsolescencia y el capital financiero internacional en comunidades de todo el mundo” 

ENG
Morgan Craig (Philadelphia) is a painter, teacher and Master of Fine Arts in Painting at Philadelphia University. His travelling spirit has led him to exhibit and participate in residencies in Europe, Africa and China. "I believe that architectural structures, which act as both repositories and vehicles of memory, profoundly influence culture and identity by providing a tangible framework through which facets of a society can be expressed. Consequently, I have been inspired to create a body of work that addresses how the types of architectural buildings present in a given landscape influence identity. My work is not merely a method of documentation, but a socio-economic and socio-political commentary on the effects of arrogance, greed, free trade, outsourcing, deregulation, deterritorialisation, neoliberalism, obsolescence and international finance capital on communities around the world".

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ÍMPETU

 Pudiéramos llamar a la obra de un artista contemporáneo, Morgan Craig, que interesado en desentrañar qué misteriosa identidad cultural se oculta tras las estructuras arquitectónicas, depósitos en distintas latitudes: África, Rusia, China, Armenia, Irlanda, Estados Unidos, viaja creando documentos. Así llega expectante a Argentina, La Plata. Este impulso-ímpetus inédito de relevamiento, ha ejercido, a lo largo de su estadía en la Residencia Corazón, una fuerza suficiente para desenterrar el territorio escondido en cercanías: la ex Fábrica de Hielo de la Cervecería Quilmes, sumida a la arrasante vegetación y jauría excrementosa, maloliente y tóxica de las palomas del galpón lindero, con una torre de agua inacabada cual gran pilar. Hacia el lado de la vía del tren Roca, aparecen por un boquete, paisajes laterales, las pasarelas y las fosas desguazadas de maquinarias del ex Aserradero, como  una inhumación de la sucesiva secuencia de edificios con basamentos exiguos. En este sentido, llega, impasiblemente, a un espacio que está alejado, a sus espaldas, el Hospital Neuropsiquiátrico Interzonal Melchor Romero, con presencias humanas invisibles, pues no aparecerán en sus obras como es habitual, sino solamente, en el estado existencial que ellas dictan a ese sufriente espacio murario.

Su firmeza insiste y socava el pasado, el esplendor de la  Cooperativa Industrial Textil Argentina C.I.T.A. avenida hoy en recuperados talleres de artistas. Allí sus trabajadores guían una visita sin precedentes, con detallado anecdotario que dibuja-desdibuja la desintegración del trabajo, hasta llegar a la sala de máquinas, de hilados, donde Morgan asiente con la mirada: la exhumación del cadáver de hierro, aún vertebrado el esqueleto de carreteles en desuso, des-huso. 

Parece que la experiencia en Argentina se congela en Swift, el ex Frigorífico en la orilla de la sórdida calle Nueva York de Berisso.

Con las distintas interpretaciones y especulaciones a que ha dado lugar, comenzar visitando una fábrica de hielo, y terminar con un frigorífico, concluye la gélida metáfora de la actual indiferencia acerca de un espacio colosal abandonado. Morgan finalmente decide pintar su propia interpretación del que, sin duda, es el mejor retrato de la sociedad.

Su investigación se concreta en un lienzo de lino de medidas humanas, sin abismos, y se inicia en una obra de un interior con color, manchas, formas, en la gran tradición del arte occidental, con capas de pintura que puede ser estudiada junto a Simon Edmondson, por sus atmósferas y la destacada factura pictórica. Este artista con sus numerosas obras narra la historia de este singular proyecto, que revisa y proyecta fantasmagóricamente las condiciones de trabajo: "la arrogancia, la avaricia, el libre comercio, la subcontratación, la desregulación, la desterritorialización, el neoliberalismo, la obsolescencia y el capital financiero internacional, en las comunidades de todo el mundo" -ahora también revelado en Argentina - tal lo enuncia en su texto: ÍMPETU.


*IMPETU: impulso, fuerza dirigida a, embestida, ataque.

In: hacia el interior, a veces también en contra.

petere: dirigirse a, buscar, pedir.



ÍMPETU
 We could call the work of a contemporary artist, Morgan Craig, who is interested in unraveling what mysterious cultural identity is hidden behind the architectural structures, deposits in different latitudes: Africa, Russia, China, Armenia, Ireland, United States, travels creating documents. Thus he arrives expectantly in Argentina, La Plata. This unprecedented survey impulse-impetus has exerted, throughout his stay at the Corazón Residence, enough force to unearth the hidden territory nearby: the former Ice Factory of the Quilmes Brewery, submerged in the sweeping vegetation and the excremental, foul-smelling and toxic pack of pigeons of the adjoining shed, with an unfinished water tower like a great pillar. Towards the side of the Roca train track, appear through a gap, lateral landscapes, the footbridges and the scrapped pits of machinery of the former sawmill, like an inhumation of the successive sequence of buildings with meager foundations. In this sense, he arrives, impassively, to a space that is far away, behind him, the Melchor Romero Interzonal Neuropsychiatric Hospital, with invisible human presences, since they will not appear in his works as usual, but only in the existential state that they dictate to that suffering wall space. His firmness insists and undermines the past, the splendor of the Cooperativa Industrial Textil Argentina C.I.T.A. (Argentine Textile Industrial Cooperative C.I.T.A.), which today has been transformed into recovered artists' workshops. There its workers guide an unprecedented visit, with detailed anecdotes that draw-blurs the disintegration of work, until reaching the machine room, the spinning room, where Morgan settles with his gaze: the exhumation of the iron corpse, still vertebrate the skeleton of disused, disused reels. 
It seems that the experience in Argentina is frozen in Swift, the former meat packing plant on the edge of Berisso's seedy New York Street.
With the various interpretations and speculations to which it has given rise, starting with visiting an ice factory, and ending with a refrigerator, the icy metaphor of the current indifference about a colossal abandoned space concludes. Morgan finally decides to paint his own interpretation of what is undoubtedly the best portrait of society.
His research takes shape on a linen canvas of human dimensions, without abysses, and begins in a work of an interior with color, stains, shapes, in the great tradition of Western art, with layers of paint that can be studied together with Simon Edmondson, for its atmospheres and outstanding pictorial workmanship. This artist with his numerous works tells the story of this singular project, which ghostly revises and projects working conditions: "arrogance, greed, free trade, outsourcing, deregulation, deterritorialization, neoliberalism, obsolescence and international financial capital, in communities around the world" -now also revealed in Argentina- as stated in his text: ÍMPETU.

*IMPETU: impulse, force directed to, onslaught, attack.
In: inward, sometimes also against.
petere: to turn to, to seek, to ask for.

 Fernanda Piamonte/ Asistencia Curatorial

Daniela Compagnon/ La ciudad viajera/ junio 2023

 









Mi trabajo es una reflexión.

Focalizo la mirada en figuras constructivas industriales y lugares (paisajes abiertos),

encontrando maneras de trabajar con ambos elementos. He utilizado materiales

industriales, como ductos de ventilación y cintas de medición, entre otros. Me

interesa su capacidad modular y su brillo para construir formas geométricas,

inactivas y variables. Creo situaciones determinadas que concreto mediante

esculturas, acciones en el paisaje, materiales audiovisuales, fotografías. También

con estudios sobre la línea, los límites, las huellas industriales, lo efímero en relación

a la escala humana en el horizonte y el espacio.

Dedicada a la escultura, tuve la extrema necesidad de mover y trasladar mi arte

adonde lo necesitara. Terminé especializándome en el transporte y arthandling de

obras y objetos de manera independiente. Llamé amigos para trabajar e hice un

emprendimiento llamado Flete Arte. Este ha sido una constante construcción de

trabajo, algo totalmente necesario, echo junto a otres artistas, trabajadores de la

cultura y productores de arte en general. Luego concebí Arthandler Chile, otra

propuesta que busca funcionar como red de apoyo para artistas y que, por el

momento, ha funcionado en montajes de exposiciones.


Me gusta estar en constante movimiento y Flete Arte me permite resolverlo como

artista, desarrollando un ojo especial, activando todos mis sentidos y trabajando con

todo mi cuerpo. Pero también resulta ser una misión muy emocional, con el miedo

natural que genera el momento de hacer algo muy importante, al tener que mover

algo de gran valor. Trabajo asumiendo una responsabilidad. Esto podría ser también

una performance constante, una manera de reflexionar y resolver problemáticas

prácticas de los objetos en sí. Eso es una de las cosas que más he admirado, por mis

propios intereses como escultora.

Volver a mi producción artística ha sido necesario después de haber aprendido

mucho con el arte de otres. Sentí la necesidad de retomar la escultura y la búsqueda

de nuevos aprendizajes. Así llegué a conocer el oficio de la orfebrería, me

impresioné con ese mundo nuevo, que ahora es parte de mi vida. Trabajo con las

mismas dialécticas y funcionamientos de las esculturas de gran formato, pero

llevadas a la monumentalidad de formas pequeñas y brillantes. Pongo en juego las

percepciones de une como persona y las de los objetos, que guían a un nuevo

concepto de espacialidad.

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The Travelling City

My work is a reflexion.

I focus my gaze on industrial constructive figures and places (open landscapes),

finding ways to work with both elements. I have used industrial materials, such as

ventilation ducts and measuring tapes, among others. I am interested in their

modular capacity and their brilliance to construct geometric, inactive and variable

forms. I create specific situations that I make concrete through sculptures, actions in

the landscape, audiovisual materials, photographs. Also with studies on the line,

limits, industrial traces, the ephemeral in relation to the human scale in the horizon

and space.

Dedicated to sculpture, I had the extreme need to move and transfer my art

wherever I needed to. I ended up specialising in transporting and arthandling works

and objects independently. I called friends for work and started a business called

Flete Arte. This has been a constant construction of work, something totally

necessary, done together with other artists, cultural workers and art producers in

general. Then I conceived Arthandler Chile, another proposal that seeks to function

as a support network for artists and that, for the moment, has worked in the setting

up of exhibitions.


I like to be in constant movement and Flete Arte allows me to resolve this as an

artist, developing a special eye, activating all my senses and working with my whole

body. But it also turns out to be a very emotional mission, with the natural fear that

comes with the moment of doing something very important, having to move

something of great value. I work with a responsibility. This could also be a constant

performance, a way of reflecting and solving practical problems of the objects

themselves. That is one of the things I have admired most, because of my own

interests as a sculptor.

Returning to my artistic production has been necessary after having learnt a lot with

the art of otters. I felt the need to return to sculpture and the search for new

learning. That's how I got to know the craft of jewelry, I was impressed by this new

world, which is now part of my life. I work with the same dialectics and functions of

the large format sculptures, but taken to the monumentality of small and brilliant

forms. I bring into play the perceptions of one as a person and those of the objects,

which lead to a new concept of spatiality.


https://www.instagram.com/danielacompagnon/

Jade Langevin/ Artista en Residencia/ mayo 2023

 




JADE LANGEVIN  (Canadá, 1996)

- Jade es egresada en Diseño gráfico de la Universidad de Quebec en Montreal y eligió nuestro proyecto para viajar por primera vez a Argentina y continuar su búsqueda artística más allá de los límites de sus diversos trabajos en marketing y la gráfica. Aquí su link para ver trabajos: 

- Jade Langevin (Quebec, 1996) is a graduate in Graphic Design from the University of Quebec in Montreal and chose our project to travel for the first time to Argentina and continue her artistic search beyond the limits of her various works in marketing and graphics.


@pastel.cocktail 

msha.ke/pastelcocktail



Rosana Ybarra/ Proyecto Re Nacimiento

 








ROSANA DAWN YBARRA  (USA-BRASIL, 1986)

Rosana es una experimentada artista con un Máster en Bellas Artes en la Universidad de Nebraska. Trabajó en las universidades de Portland y Oregon (EE:UU:), donde también realizó exhibiciones en diversos espacios e instituciones.  Actualmente reside  en Brasil.  “Espero concentrar mi tiempo en un proyecto que ha tardado mucho en llegar. He estado compilando un archivo de escritos y dibujos desde mi mudanza. Incluye reflexiones sobre la desorientación, la crianza del niño interior, el pensamiento en nuevos idiomas y la adaptación a una nueva cultura bajo aislamiento social. También quisiera  explorar la vieja tradición del dibujo automático y la comunicación a través de la canalización mediúmnica.Trabajaré este contenido en objetos, ilustraciones, performances y animaciones que eventualmente se publicarán como una colección impresa y online.
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Rosana is an experienced artist with a Master in Fine Arts from the University of Nebraska. She worked at the universities of Portland and Oregon (USA), where he also exhibited in various spaces and institutions. She currently resides in Brazil.  "I hope to concentrate my time on a project that has been a long time coming. I have been compiling an archive of writings and drawings since my move. It includes reflections on disorientation, raising the inner child, thinking in new languages, and adapting to a new culture under social isolation. I would also like to explore the old tradition of automatic drawing and communication through mediumistic channeling.I will work this content into objects, illustrations, performances and animations that will eventually be published as a print and online collection.
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A veces, cuando alguien encuentra un nuevo camino espiritual, dice que ha vuelto a nacer. Otros, tras una experiencia cercana a la muerte, manifiestan que tienen una nueva oportunidad en la vida. En la naturaleza, podemos observar fácilmente cómo la materia en descomposición es la base de una nueva vida.

En muchas mitologías, el aspecto femenino está asociado a la reproducción. Es la fuerza salvaje, intuitiva y creativa. Desde que llegué a Residencia Corazón, estuve considerando lo que significa dirigir esta fuerza creativa hacia uno mismo, en un acto intencionado de renacimiento.

 ¿Nacer es un acto único o sucede muchas veces a lo largo de nuestro ciclo vital? Al igual que nuestro cuerpo se desprende continuamente de las células muertas de la piel para que crezcan otras nuevas, ¿podemos optar por dejar que partes de nuestra vieja identidad desaparezcan para descubrir quién puede resurgir de sus cenizas? Cuando entendemos el proceso de nacimiento y muerte no como un principio y un final, sino como puntos de parada en un ciclo eterno de transformación, ¿puede cambiar nuestra forma de vivir?

El Proyecto Renacimiento es la primera iteración de un experimento en curso para crear obras con la capacidad de biodegradarse rápidamente, imitando el ciclo orgánico de vida y muerte del mundo natural. El proyecto combina inquietudes personales en torno al envejecimiento y los procesos de renacimiento con cuestiones más amplias sobre la interconectividad, el cambio climático y la sostenibilidad. Todos los materiales utilizados en la exposición son de esta zona y completamente nuevos para mí: junco, mimbre, bioplásticos hechos de algas y pigmentos naturales. Las formas adoptan el vocabulario de alas, capullos, órganos y piel desprendida, invitando al espectador a imaginarse a sí mismo en este proceso de transformación.

The Rebirthing Project

Sometimes, when someone finds a new spiritual path, the say they are born again. Others, after a near-death experience, say they got a new chance at life. In nature, we can easily observe how decomposing matter is the foundation for new life.

Throughout many mythologies, the feminine aspect is associated with reproduction. It is wild, intuitive, creative force. Since I arrived at Residencia Corazón, I have been considering what it means to aim this creative force toward one’s self, in an intentional act of rebirth.

 Is being born a one-time act, or does it happen many times throughout our life cycle? Like the way our bodies continuously shed dead skin cells and grow new ones, can we choose to let parts of our old identities go to discover who might rise from the ashes? When we understand the birth and death process not as a beginning and end, but as stopping points in an eternal cycle of transformation, can it change the way we live?

The Rebirthing Project is the first iteration of an ongoing experiment to create artwork with the capacity biodegrade rapidly, mimicking the organic life and death cycle of the natural world. The project combines personal concerns around aging and re/birthing processes with larger issues around interconnectivity, climate change and sustainability. All of the materials used in the exhibition are completely new to me and from this area: junco, mimbre, bioplastics made from algae and natural pigments. The forms take the vocabulary of wings, cocoons, organs and peeling skin, inviting the viewer to imagine themselves in this process of transformation.

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Los procesos creativos son tan variados y amplios como personas y proyectos existen.

 Aun encontrando tendencias y puntos en común, lo inesperado de las búsquedas y los procesos investigativos es lo que mantiene a las artes (o más, al conocimiento en general), indomables.

 Rosana Ybarra decidió en este proyecto colocar una obstrucción en su tránsito: evitar los materiales que no fueran biodegradables. Pero esta pauta no fue una decisión caprichosa, un obstáculo lúdico cuasi-vanguardista para arribar a lo original. Fue una decisión política consciente: alejarse del ego de artista que pretende que sus obras le sobrevivan in aeternum. Aportar un poco menos al daño generalizado sin dejar de poetizar. Como en cualquier ecosistema, esa decisión modificó otras y así comenzaron a filtrarse en su trabajo materiales, procedimientos, tiempos propios de la naturaleza. Pequeños gestos que hablan de una observación y una comprensión de las necesidades del medio mismo.

 Lo que Rosana persigue modestamente es que sus obras puedan volver a la tierra, cuando ella en su carácter nómada lo necesite o cuando la temporalidad de la materia lo decida. 

 Rosana llegó a una ciudad húmeda y aprendió a aceptar los ritmos y respiraciones de los materiales en relación a ella. Asimiló que la humedad se debe a las características de una región ribereña. Entonces fue al río y a sus recursos. Conoció el mimbre y a quienes lo trabajan. Se empapó de esos saberes-haceres locales y los incorporó en su producción. El resultado es un ecosistema de formas, materiales, texturas, brillos que parecieran contradecirse cuando aparece algún elemento que nos remite al plástico o al metal. Pero eso nos sirve como gatillo para recordar la potencia de la naturaleza cercana.

 Quizás eso sea parte de la militancia silenciosa de Rosana: contagiarnos su entusiasmo y percibir nuestro entorno natural cotidiano con mirada asombrada, atenta, novedosa, como si estuviéramos conociendo esta región, como si nosotrxs también fuéramos artistas viajerxs en residencia.

Mariel Uncal Scotti/ Curadora

 


Clara Liekmeier/ Artista en Residencia/ marzo-abril 2023






Clara Liekmeier (Alemania-Suiza, 1991).
Esta residencia se propone como pausa en medio de un largo viaje. Como una forma más de búsqueda, nuevos aprendizajes y desafíos internos que se vuelquen en obras.”Como pintor autodidacta, trabajo sobre todo en proyectos que están profundamente ligados a mi historia personal. En la residencia me gustaría confirmar mi identidad de artista y estilo de pintura. Me gustaría tener nuevos desafíos y aprender a poner más de mi personalidad en mis obras”
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This residency is proposed as a pause in the middle of a long trip. As another form of research, new learning and internal challenges that are turned into works.”As a self-taught painter, I mainly work on projects that are deeply linked to my personal history. In the residency I would like to confirm my identity as an artist and painting style. I would like to have my work challenged and learn to put more of my personality into my works”

Nate Larson/ Artista en Residencia/ febrero 2023






Nate Larson (USA, Baltimore, 1976) Soy un artista contemporáneo y documentalista residente en Baltimore que trabaja con medios fotográficos, libros de artista, instalaciones que responden al lugar y medios basados en el tiempo. Mis proyectos se han expuesto en
EE.UU. y Europa, así como en numerosas publicaciones y medios de comunicación.
Además de mi práctica artística, soy profesor- jefe del Departamento de Fotografía del MICA / Maryland
Institute College of Art en Baltimore.
Mis obras de arte forman parte de las colecciones permanentes del George Eastman Museum, High Museum Atlanta,
el Crystal Bridges Museum of American Art, el Orlando Museum of Art, el Portland Art Museum, el
Museo de Bellas Artes Houston, Museo Contemporary Photography Chicago, entre otros.
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I am a Baltimore-based contemporary artist and documentarian working with photographic media, artist books, site-responsive installations, and time-based media. My projects have been widely exhibited across
the US and internationally as well as featured in numerous publications and media.
In addition to my artistic practice, I am a Professor in the Photography Department at MICA / Maryland
Institute College of Art in Baltimore.
My artwork is held in the permanent collections of the George Eastman Museum, High Museum Atlanta,
Crystal Bridges Museum of American Art, the Orlando Museum of Art, Portland Art Museum, the Museum of Fine Arts Houston, and the
Museum of Contemporary Photography Chicago, among others.

Kristi Dick/ Escritora en Residencia-Writer in Residence/ Febrero 2023



Kristi Dick (USA, 1972) Residente de nuestro programa P3 #escritora /#investigadora tiene una gran trayectoria como guionista, ha trabajado para Disney, Marvel, Netflix entre otros mega. Vino a investigar y trabajar y escribir sobre #arteurbano y porqué no sobre #cafe #cafeteria
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Resident of our P3 program #writer /#researcher Kristi has a great background as a screenwriter, has worked for Disney, Marvel, Netflix among other mega. She came to research and work and write about #urbanart and why not about #cofeeshops #cofee #cofeelover


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